Exposition au Mucem : Passions partagées
De Basquiat à Edith Piaf, la Collection Lambert au Mucem
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Originaire d’Alès, Daniel Dezeuze est marqué par la culture provençale de son père peintre et son grand-père félibre (poète en langue occitane) surnommé «l’Escoutaïre». Pour ce membre fondateur du groupe Supports/Surfaces, sa sculpture Arme de jet est liée à sa quête d’un langage à la fois manuel et intuitif. Elle évoque les premières armes inventées pour envoyer un projectile à distance. Un objet du 19e siècle formellement comparable a été collecté en Camargue par le docteur Émile Marignan. Ce folkloriste, ami de Frédéric Mistral, est l’un des sept créateurs du musée Arlaten en 1896. Collectionneur et chercheur infatigable, il a transformé en musée sa vaste demeure, où il classait méthodiquement ses principaux objets d’étude : des pierres taillées et des médailles.
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Chaix (Imprimeur). Affiche Buffalo Bill’s Wild West and congress of rough riders of the World - Amusements des cowboys. Paris, France 1905. Lithographie Mucem, 1969.31.20.
William Frederick Cody, dit Buffalo Bill, dirige un spectacle populaire : le Buffalo Bill’s Wild West show. 1905 est Tannée d’une de ses tournées remarquées à Marseille, durant laquelle 800 hommes et 500 chevaux s’installent sur un terrain militaire du boulevard Rabatau (futur parc Chanot). Buffalo Bill est un homme aux multiples vies : convoyeur de bestiaux, chercheur d’or, messager pour une société de poste, soldat nordiste durant la guerre de Sécession, hôtelier, chasseur pour une compagnie de construction ferroviaire... Dans ses spectacles accompagnés d’un orchestre, il présente des tirs d’adresse et des scènes de combat déployant tout un imaginaire de l’Ouest. Il raconte dans sa biographie comment lors de son séjour en Europe tout ce qui était américain devenait objet de gloire.
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Cette collection d’instruments de musique a été recueillie dans le cadre d’une recherche de l’ethnomusicologue Marie-Marguerite Pichonnet-Andral sur leur symbolique et le néo-artisanat de lutherie populaire. Plusieurs instruments sont munis, à l’embouchure ou sur le corps, de mirlitons : ils produisent de ce fiait des sons bourdonnants, qui ont valu au début du siècle à l’orchestre carnavalesque qui les employait le nom de «vespa», signifiant la guêpe. Ces instruments sont confectionnés en courge et en roseau, matériaux fortement associés à la Provence. Leurs formes rappellent les motifs végétaux des vitraux de la chapelle de Matisse à Vence, ici photographiée par Andres Serrano vingt ans après la série de photographies qu'il avait dédiée aux églises (The Church).
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Jean-Michel Othoniel. Projet pour la 4e station du chemin de croix de Vence (Jésus rencontre sa mère) 1994 Carton plume, cuivre, métal, flacon, épingles Collection privée, Paris, en dépôt à la Collection Lambert
L’accès de la chapelle est impossible. Une porte en cuivre en ferme l’entrée. C'est en regardant par un trou en forme de croix découpé dans la porte que l’on peut assister à la rencontre du Cœur de Jésus ravissant le Cœur de Sa Mère. Deux sculptures évoquant les Cœurs sont en suspension dans une bouteille remplie de larmes posées sur l’autel. Sur la bouteille coulent des larmes de verre. Devant la porte, un prie-Dieu, au-dessus, un vitrail monochrome baignant l’espace intérieur de sa lumière colorée.
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Robert Barry (1936, New York, vit et travaille à Teaneck, États-Unis) Projet pour la 8e station du chemin de croix de Vence (Jésus rencontre les filles de Jérusalem) 1994. Acrylique sur carton plume.
Projet pour la 8e station du chemin de croix de Vence (Jésus tombe pour la deuxième fois) 1994. Acrylique sur carton plume. Collection privée. Paris.
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Sol LeWitt (1928, Hartford, États-Unis - 2007. New York) Projet pour une chapelle du chemin de croix de Vence 1994 Peinture sur carton plume et papier
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Niele Toroni (1937, Muralto, Suisse, vit et travaille à Paris) Projet pour la 7e station du chemin de croix de Vence (Jésus tombe pour la deuxième fois) 1994. Gouache et crayon sur papier. Collection privée. Paris.
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. Jean Charles Blais (1960, Nantes, vit et travaille à Arcueil et Vence) Projet pour la 6e station Véronique essuie la face de Jésus 1994 Peinture et fusain sur affiches arrachées sur châssis métallique Collection privée, Vence
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Le terme d’image d'Épinal a pris au fil du temps un sens figuré et désigne une vision traditionnelle, passéiste ou naïve des choses. Or, techniquement réalisées par des graveurs d'exception, ces images ont une qualité esthétique indéniable. Traduisant les préoccupations du peuple auquel elles sont destinées, ou portant les messages politiques des puissants, elles constituent des objets d’étude sociaux et historiques.
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Jean-Michel Basquiat a offert ses sabots à Yvon Lambert pour s’excuser de ne pas le retrouver pour leur traditionnel repas dominical. En 1988, l’artiste était à Paris pour la grande exposition qu'il réalisera chez son ami et marchand quelques mois plus tard, avant de mourir, en août de la même année. Les inscriptions au fusain «Moby Dick», «Titanic», «And God Created Great Whales» sont des références au roman de Melville, au naufrage du paquebot en 1912 ou à la symphonie d'Alan Hovhaness. Basquiat joue avec le folklore par le réemploi des sabots, devenus symboles de la nation hollandaise au cours du 20e siècle, alors même que les sabots étaient répandus à travers toute l’Europe rurale. Les séquences et les techniques de fabrication du sabotier sont représentées dans le chef-d’œuvre d’Urbain Olié, par lequel il témoigne de son savoir- faire et de sa créativité. Paul Duchein, collectionneur, amateur d’art populaire et d’art brut a acquis ce chef- d'œuvre auprès du descendant du sabotier.
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Les cannes sculptées par les bergers pour marcher et garder le troupeau lors des transhumances sont d’autres objets de voyage. Sur plusieurs de ces bâtons figure un serpent, motif décoratif bien adapté à la forme de l’objet qui a pu avoir un rôle prophylactique plus qu’ornemental. Rien ne prédestinait ce bâton de berger à entrer au musée avant que l'artiste et amateur d'art populaire et du surréalisme Jean-Yves Le Guernic ne s'y intéresse.
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André Cadere, peintre-sculpteur roumain, porte ses barres de bois au gré de ses déambulations à Paris et lors de ses nombreux voyages. Il dépose parfois ses œuvres nomades sans autorisation dans différents lieux du monde artistique : elles constituent les traces de son cheminement d’artiste à travers le monde et s’inscrivent dans un contexte où les artistes remettent en question les codes académiques de création et de monstration.
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Mahmoud Feriani explore dans sa peinture sous verre le récit mythique d’Antar (ou Antara), né d'une servante abyssinienne et d’Abla, sa cousine. Dans les deux œuvres, celle de Combas et celle de Feriani, la composition est similaire : deux personnages se font face, entourés d'un foisonnement de motifs et de décors couvrant l'ensemble de la surface de l'œuvre
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Issu du mouvement de la figuration libre, Rémi Blanchard a développé une relation étroite avec le monde du cirque, les contes et les légendes, et son œuvre est influencée par l'imagerie populaire et la poésie. Il peint les performances, les coulisses et la vie quotidienne de diverses compagnies de cirque. L'artiste américain Chester Kingston, né à Brooklyn en 1893, est l'un des contorsionnistes les plus célèbres du 20e siècle. Il parvenait à s'imbriquer dans les volutes d'une chaise Thonet et dans une boîte incroyablement petite. Marthe Kiesling Debussy, sa femme et la nièce du compositeur Claude Debussy, l'accompagnait dans ses numéros sous le pseudonyme d'Esmeralda.
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Échelle de trapéziste Vers 1920-193. Corde de chanvre. Mucem, 1959.43.7.1
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Dans les années 1980, Jean Charles Blais crée des tableaux sur des affiches arrachées et sur d’autres supports récupérés. Son œuvre Assis encore présente un personnage au corps disproportionné et au visage minuscule. Une résonance émerge avec l’œuvre attribuée à Francis Lagrange, alias Flag, un artiste condamné et emprisonné pour contrefaçon : le quadrillage du carrelage de Blais fait écho aux barreaux des fenêtres et aux chemises rayées portées par les prisonniers qui se querellent. Ces grilles, du quadrillage du carrelage aux rayures des chemises des prisonniers, peuvent évoquer des limites physiques et sociales et confèrent à ces deux œuvres une tension visuelle.
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![<center>Study for Second Génération Ghost Toast</center>Dennis Oppenheim
(1938, Electric City, États-Unis - 2011, New York)
1988
Technique mixte sur papier.
Collection privée, Paris, en dépôt à la Collection Lambert<br>
Dans cette série de dessins conceptuels, qui rompt avec les œuvres monumentales qu’il réalise dans la nature dès les années i960, Dennis Oppenheim représente des articles ménagers exagérément grands et troublants. Ces objets de la vie quotidienne sont devenus génériques et quelque peu totémiques, comme des incarnations de la société moderne. Leurs titres «Études» sont une référence moqueuse à l’apprentissage académique. Les intitulés complets, StudyforRevolving Kissing Racks [Étude pour les baisers à tambour (ou tournants)] ou Studyfor Second Génération Ghost Toast [Étude sur les toasts fantômes de seconde génération], redoublent leur pouvoir de dérision. Porte-bouteilles et grille- pain des collections du Mucem montrent que les arts ménagers ont été un sujet d’étude tout au long du 20e siècle. Placer ces objets à côté de leurs représentations par Oppenheim est une manière d’inviter à les réévaluer et à les regarder autrement, comme des œuvres patrimoniales.](./photos/expo_passions-8868.jpg)
Dans cette série de dessins conceptuels, qui rompt avec les œuvres monumentales qu’il réalise dans la nature dès les années i960, Dennis Oppenheim représente des articles ménagers exagérément grands et troublants. Ces objets de la vie quotidienne sont devenus génériques et quelque peu totémiques, comme des incarnations de la société moderne. Leurs titres «Études» sont une référence moqueuse à l’apprentissage académique. Les intitulés complets, StudyforRevolving Kissing Racks [Étude pour les baisers à tambour (ou tournants)] ou Studyfor Second Génération Ghost Toast [Étude sur les toasts fantômes de seconde génération], redoublent leur pouvoir de dérision. Porte-bouteilles et grille- pain des collections du Mucem montrent que les arts ménagers ont été un sujet d’étude tout au long du 20e siècle. Placer ces objets à côté de leurs représentations par Oppenheim est une manière d’inviter à les réévaluer et à les regarder autrement, comme des œuvres patrimoniales.
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Christian Marclay utilise un objet du quotidien pour le détourner : il découpe, colle et recompose des pochettes vinyles, mêlant ici Mireille Mathieu et Charles Aznavour. Élément représentatif de la culture populaire, le vinyle offre des qualités plastiques et graphiques remarquables. L'accumulation de ces pochettes permet une abstraction qui transcende leur fonction initiale. Dans les années i960, le projet d'un musée de la chanson populaire française émerge et une collecte est lancée à la radio pour constituer les premières collections, suscitant une générosité remarquable. Le musée reçoit alors de nombreux dons d'objets ayant appartenu à des stars, tels que le canotier de Maurice Chevalier, la ceinture de bananes de Joséphine Baker, la robe noire d'Édith Piaf. Des décennies plus tard, Eddy Mitchell offre à son tour les bottes qu'il portait au Casino de Paris en 1990.
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Dans les années 1960, le projet d'un musée de la chanson populaire française émerge et une collecte est lancée à la radio pour constituer les premières collections, suscitant une générosité remarquable. Le musée reçoit alors de nombreux dons d'objets ayant appartenu à des stars, tels que le canotier de Maurice Chevalier, la ceinture de bananes de Joséphine Baker, la robe noire d'Édith Piaf. Des décennies plus tard, Eddy Mitchell offre à son tour les bottes qu'il portait au Casino de Paris en 1990.
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Sound Sheet de Christian Marclay est un rideau transparent composé de disques vinyles flexibles, produits dans le domaine publicitaire. Presque invisibles, ils créent une frontière délicate et transparente. Ce rideau qui flotte dans l’espace peut faire penser aux nombreuses peintures qui, à partir du 17e siècle, représentent des rideaux en trompe l’œil, donnant l’impression de dévoiler une scène. Il invite les visiteurs à imaginer le son que pourraient produire tous ces disques, offrant ainsi une expérience sensible qui oscille entre matérialité et immatérialité. Un siècle plus tôt, le folkloriste Lionel Bonnemère expérimente cette oscillation en collectant des objets produits par des savoir-faire immatériels : son approche implique l’accumulation, le classement et l’étiquetage méticuleux d’échantillons textiles collectés. Ces deux expressions artistiques illustrent le pouvoir de l’imagination face à des objets tangibles et renforcent le lien entre la matière et les expériences immatérielles.
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Daniel Buren (1938, Boulogne-Billancourt, vit et travaille à Paris) Anthracite élégant cuir / Blanc Thasos (Grèce) - 9 lattes 8019 Marbre Collection privée, Paris, en dépôt à la Collection Lambert.
Benoist et Fils Support d’étagère
Luca Resta (né en 1982 à Seriate, Italie, vit et travaille à Paris) Monuments// Cornus temple blocks 2024 Marbre de Naxos Collection de l'artiste.
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Luca Resta (né en 1982 à Seriate, Italie, vit et travaille à Paris) Monuments// Cornus temple blocks 2024 Marbre de Naxos Collection de l'artiste.
Grappe de raisin. Matisse Mesnil 2023 Métal Avec l'aimable autorisation de l'artiste.
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Dans les domaines de l’architecture et de la décoration, la rosace est un ornement central largement employé. Elle est également présente dans l’art populaire, en particulier dans le travail du bois qui produit des objets du quotidien. Même si quelques-uns sont signés, la plupart de ces objets sont anonymes. Dans sa pratique artistique, Niele Toroni questionne l’anonymat, il propose une peinture dont le protocole est toujours le même et pourrait être réalisé par n’importe quel peintre : une empreinte de pinceau n°50 à intervalles réguliers de 30 cm, qu’il applique sur différents supports et dans différents contextes. Comme ces objets dont on peut voir les traces de fabrication et d’usage, les peintures de Toroni donnent à voir les empreintes, les traces de pinceau, la matière. Il questionne ainsi le «banalement peintre» pour nous confronter - trace après trace - à l’idée même de la peinture.
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Gabarit en forme d’étoile pour la confection textile Saint-Maurice-des-Lions, Charente 1er quart du 20e siècle Fer-blanc ajouré Mucem, don de Marc Lépreux, 1938.194.55
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La sculpture en bois peint de Cari André intitulée Hourglass (sablier) s’impose comme l’une des œuvres les plus significatives de l’artiste, révélant l’émergence de l’art minimal dans son parcours. Elle est inspirée par le sculpteur Constantin Brancusi et entre en résonnance avec un objet roumain emblématique : la quenouille en bois originaire de Maramures.
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Tout comme le sablier, la quenouille transcende le statut d’objet utilitaire pour revêtir une signification symbolique profonde, intrinsèquement liée au temps, à l'attente et à ta féminité. Cet objet, un bâton au bout duquel sont attachées des fibres à filer, évoque l’activité laborieuse de la femme et le travail artisanal traditionnel lié à la transformation des matières premières.
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Le diviseur de couleurs provient d'un atelier de fabrication de carreaux de mosaïque de revêtement composés de ciments colorés. Apparus vers 1850 en Ardèche, ces carreaux ne nécessitent pas de cuisson mais sont fabriqués à l'aide d'une presse hydraulique. Le diviseur est un moule en bronze qui forme des séparations fixées dans un cadre. Chaque compartiment est rempli avec une couleur différente de façon à former le dessin. Le diviseur de couleurs est le point de départ de la création, comme le concept, ou l'idée, est le fondement de l'œuvre de Sol LeW'rtt. Son travail artistique sériel repose sur une perpétuelle exploration et exploitation des possibilités. Radicalement nouveau dans les années i960, il entretient pourtant aussi des relations étroites avec certaines formes du passé, depuis l’art de la Renaissance jusqu'aux savantes compositions musicales de Jean-Sébastien Bach. Le chef-d'œuvre de compagnon ferronnier explore tout un éventail de formes possibles autour du fer (à cheval, à bœuf, à mulet...). L'exercice est contraint mais le compagnon concentre, pour mieux donner à voir, toute la maîtrise de son savoir-faire.
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Sol LeWitt est un artiste conceptuel connu pour ses œuvres appelées «structures», des sculptures fondées sur des éléments géométriques simples tels que le cube ou le carré. Elles sont posées au sol, sans socle, et nous invitent à faire l’expérience sensible des espaces qu’elles habitent à nos côtés. Témoignage d'un autre savoir-faire technique d’assemblage, ici d’éléments en bois, la maquette de charpente exige un équilibre savant entre la présence matérielle du bois (le plein) et l'espace laissé entre les éléments (le vide). Les maquettes de charpente servent de modèles réduits ou de patrons, permettant aux charpentiers de visualiser et de planifier la structure finale. Elles peuvent également être présentées aux clients et rendre ainsi possible une dimension collaborative et une réflexion sur la perception de la structure, à l’instar de l’idée de participation de l’observateur dans l’art conceptuel
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Gordon Matta-Clark crée cette œuvre en hommage à son frère jumeau surnommé Batan, qui s'est donné la mort deux ans auparavant en se défenestrant. Dans la galerie parisienne d'Yvon Lambert, et durant toute l'exposition, l’artiste creuse le sol et ménage une ouverture sur la cave, où il creuse encore jusqu'à atteindre la terre meuble. Du haut vers le bas et vers les entrailles de la Terre, cette descente est une percée, une véritable plongée, une tentative de relier l’œuvre à la chute fatale de son frère.
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Autre moyen de percer la matière, l'œilleton de la porte de prison du centre pénitentiaire des Baumettes à Marseille, également appelé «judas de porte», est un objet évocateur de renfermement, du regard et de la surveillance.
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Kiki Smith est une artiste féministe engagée qui explore dans son travail multidisciplinaire le monde naturel et invente des mythes et des cosmogonies, comme autant de promesses de vies nouvelles possibles. La corrosion du métal dans l’œuvre Blue Moon III a pour conséquence la décoloration de la matière qui prend des tons de bleu, couleur qui intègre le titre de l’œuvre.
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Cette même dégradation du bronze se retrouve sur une masse sortie de la rade de Villefranche- sur-Mer à la suite d’une fouille sous-marine conduite par des archéologues. Ils ont prélevé cet objet parmi d’autres sur Lomellina, un bateau qui a fait naufrage en 1516. Ces deux objets mis côte à côte relient le ciel et la mer, les lointains, et donnent à voir l’effet du temps sur la matière.
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Francesco Vezzoli fait un collage qui fusionne des éléments artistiques disparates : les montres molles de Salvador Dali sortent des yeux du portrait de Mme d'Haussonville de Jean-Auguste- Dominique Ingres. La broderie est fréquente dans l'œuvre de l'artiste italien, qui se joue des modes et apprécie sa dimension technique, quotidienne et peu noble. En convoquant le néoclassicisme d'Ingres et la peinture surréaliste de Salvador Dali, il invente un champ spatio-temporel inédit qui nous questionne avec poésie sur notre rapport au temps. .
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L'horloge de Munster du 18e siècle, avec son mécanisme complexe et son esthétique élaborée, contraste avec la modernité du collage de Vezzoli, et évoque différemment le même rapport au temps
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La sculpture de Miquel Barcelò donne à voir toute la poésie et la puissance du livre, qui plâtré n'est plus que matière, mais toujours symbole d'évasion et d'imaginair
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À côté, les quelques noyaux de cerises collectés par un folkloriste et déposés dans un bocal sont des objets de rien, simplement représentatifs de l'acte de la collecte. Ils sont pourtant les supports matériels d’une histoire que Lionel Bonnemère raconte dans ses cahiers : ces noyaux de cerises permettent à une jeune fille de trouver son amoureux en Basse-Bretagne à la fin du 19e siècle. Elle les serre entre ses doigts en chantant la formule suivante : « Pépin par-ci, pépin par-là, où le pépin ira, la bonne amie sera», puis les jette en l'air : la direction donnée indique le chemin par lequel rejoindre la personne aimée.
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All the Directions. Mircea Cantor (1977. Oradea, Roumanie, vit et travaille sur Terre) 2000 Photographie couleur contrecollée sur aluminium, Plexiglas Donation Yvon Lambert en 2012 Collection du Centre national des arts plastiques en dépôt à la Collection Lambert, Avignon. FNAC 2014-0066
Sur cette photographie, Mircea Cantor tient une pancarte blanche qui évoque un départ vers une destination fantôme. Montrant l’artiste en auto-stoppeur sans objectif, cette image est teintée d’une certaine mélancolie, d'une forme de désenchantement. Son titre ouvre a contrario toutes les possibles directions. Comme par une substitution symbolique opérée sur cette photo, le panneau de signalétique indique le musée national des Arts et traditions populaires - dont le Mucem est l’héritier. L’ethnologue Martine Segalen l'a démonté à la suite de la fermeture du musée en 2005. Pour l'auteure de l'ouvrage Vie d’un musée, ce geste est une réaction à la perte, un moyen d’évoquer le deuil du musée dans lequel elle a travaillé.
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Depuis le début des années 1980, Haim Steinbach crée des installations à partir d’étagères sur lesquelles il dispose différents objets qu’il collecte et accumule au fil du temps, comme pour les extraire de l'oubli, inexorable destinée des produits de l'obsolescence programmée capitaliste. On peut y voir des objets issus de la production industrielle ou des objets uniques - ici provenant de la collection de Pierre Cornette de Saint-Cyr et rachetés par Yvon Lambert - dont l’agencement, l'attention particulière à la mise en scène, questionnent la valeur. Les masques du Val d'Aoste et le diable de Bessans en Savoie sont des objets liés à des croyances et des coutumes locales. Ils n'étaient pas destinés à devenir des objets de musée, mais le sont devenus après avoir appartenu à des collectionneurs : Jules Brocherel, ethnologue, et Jean-Yves Le Guernic, artiste et amateur d’art populaire.
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Cette animation en noir et blanc représente une silhouette de forme humaine en train de marcher. Le mouvement se déploie sur 732 images, un chiffre qui correspond au nombre de pages figurant dans l’édition originale du roman Ulysse de James Joyce. Celui-ci relate les pérégrinations de Léopold Bloom et Stephen Dedalus à travers la ville de Dublin en Irlande. Le mouvement de marche est également une référence à l’Odyssée du héros grec Ulysse, souvent présentée comme un long voyage initiatique.
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Admirateur de René Magritte et amateur de mots et de poésie, Marcel Broodthaers réalise une série de dessins aux titres littéraires dans lesquels il réinterprète les objets du quotidien et les conceptualise à travers des associations inattendues : Projet d’une pipe pour un tableau, Projet d’un verre pour lune, Projet d’un verre pour une bouteille, Projet d’une bouteille pour les mers, Projet d’une pierre pour une église, etc.
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À travers les références à Pan, Achille, Aristée ou Vénus, l’œuvre de Cy Twombly semble nous raconter toute la vie des êtres d’hier et d’aujourd’hui - leurs peurs, leurs désirs, leurs passions. Elle nous suggère d’embrasser l’aventure contemporaine à travers la puissance symbolique des grands mythes. Ce polyptyque retrace l’histoire de Pan et de Syrinx de gauche à droite. La nymphe fuit les attentions du dieu et se transforme en roseaux pour lui échapper. Pan, croyant l’avoir capturée alors qu’il ne tient que des roseaux dans ses bras, soupire longuement : le roseau émet un son mélodieux. Ce mythe explique l’origine de la flûte de Pan, aussi appelée «syrinx», qui amène au vers de Stéphane Mallarmé dans l’Après-midi d’un faune : «Tâche donc, instrument des fuites, ô maligne Syrinx, de refleurir aux lacs où tu m’attends !»
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Aristée ayant causé la mort d’Eurydice, il voit périr ses abeilles comme châtiment des dieux. Afin d’apaiser leur courroux, il sacrifie alors taureaux et génisses, et après neuf jours, une nuée d’abeilles lui permet de reconstituer ses ruches.
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Ruche dite panier à mouches Henrichemont, Cher. 1re moitié du 20e siècle Noisetier, rameau, bouse de vache Mucem, don de Pierre Soulier, 1959.112.1.
En apiculture, la ruche est l’unité de vie qui, construite pour abriter une colonie d’abeilles, permet le stockage de la nourriture et le renouvellement de la population. Il existe plusieurs sortes de ruches traditionnelles : elles sont généralement coniques, de dimensions variables en fonction du nombre d’abeilles, et peuvent être réalisées à partir d’un tronc d’arbre, de tuiles, de paille ou d’osier. La ruche de paille montée sur une armature d’osier est appelée panier à mouches, alors que le mot même de «ruche» est réservé aux structures en bois munies de cadres.
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Vitrine-reliquaire des martyrs saint Émilien et saint Félix Couvent de Gnadenthal, canton d’Argovie, Suisse 2er moitié du 17e siècle Bois, argent, soie, verre, grenat
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1. (Jean-Pierre Cassel) FNAC 2013-0288 2. (Raimu) FNAC 2013-0293 3. (Jeanne Moreau) FNAC 2013-0289 4. (Arletty) FNAC 2013-0281 5. (Simone Signoret) FNAC 2013-0296 6. (Arletty et Jean-Louis Barrault) FNAC 2013-0279 7. (Antonin Artaud) FNAC 2013-0277 8. (Arletty) FNAC 2013-0280.
En privant de leur yeux les grandes stars du cinéma et du théâtre, Douglas Gordon raconte la violence de nos rapports aux icônes, depuis la querelle des images sous l’Empire byzantin jusqu’à la destruction des bouddhas afghans de Bamiyan par les talibans en passant le caviardage des affiches de personnalités artistiques ou politiques. Douglas Gordon explore l’idée de la défiguration en perforant, brûlant, déchirant des portraits d’acteurs célèbres. Son objectif est de tester la résistance de l'image face à ces altérations, cherchant à identifier le point critique au-delà duquel un visage perd tout potentiel de reconnaissance pour se métamorphoser en une représentation anonyme, échappant à l’individualité pour devenir, grâce au miroir, un «vous et moi» indistinct. L’absence de regard dans les portraits des célébrités de Douglas Gordon contraste avec les yeux des ouvriers du dessin de l'artiste communiste et résistant Jean Ambiant, représentant français du mouvement réaliste socialiste. Les lunettes de protection relevées, la force de leur double regard capte celui qui les observe.
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Reliquary on Golden Alter, Rome 2001 Cibachrome Collection privée, Paris, en dépôt à la Collection Lambert
Saint in the Casket, Roma, Italy 2001 Cibachrome Collection privée, Paris, en dépôt à la Collection Lambert
Skeleton Behind Bars, Rome 2001 Cibachrome Collection privée, Paris, en dépôt à la Collection Lambert
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2. My Collection and My Red Shelves 2000 Cibachrome contrecollé sur Dibond Centre national des arts plastiques, donation Yvon Lambert en 2012, FNAC 2013-0166
3. Gina at Bruce’s Dinner Party, NYC 1991 Cibachrome contrecollé sur Dibond
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5. Anonyme Nature morte Vers 1890. Peinture à l'huile sur toile Mucem, 1957.171.24
Nan Goldin (1953, Washington, D.C., États-Unis, vit et travaille à New York)
6. Anthony by the Sea, Brighton, England 1979 Cibachrome Collection privée, Paris, en dépôt à la Collection Lambert
7. Simon and Jessica in a Towel, Avignon 2001 Cibachrome Collection privée. Paris, en dépôt à la Collection Lambert
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6. Anthony by the Sea, Brighton, England 1979 Cibachrome Collection privée, Paris, en dépôt à la Collection Lambert
7. Simon and Jessica in a Towel, Avignon 2001 Cibachrome Collection privée. Paris, en dépôt à la Collection Lambert
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On Kawara (1932, Kariya, Japon - 2014, New York, États-Unis) Telegrams to Yvon Lambert, 1971-1972 De la série «I am still alive» 1970-2000 Treize télégrammes adressés à Yvon Lambert par l'artiste entre mai 1971 et novembre 1972 Encre sur papier Donation Yvon Lambert en 2012 Collection du Centre national des arts plastiques en dépôt ils Collection Lambert, Avignon, FNAC 2013-0060 (1 à 13)
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En contrepoint de l'œuvre précédente, le moule de fragment de corps aux inscriptions énigmatiques est un vestige de la maison Roullet-Decamps qui fabriquait des automates depuis la fin du 19e siècle jusqu'à sa fermeture en 1995. Chaque fabricant conserve précieusement ses moules, les répertorie et les réutilise. Ils sont l’enveloppe de la mécanique qui donne vie aux sculptures.
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En contrepoint de l'œuvre précédente, le moule de fragment de corps aux inscriptions énigmatiques est un vestige de la maison Roullet-Decamps qui fabriquait des automates depuis la fin du 19e siècle jusqu'à sa fermeture en 1995. Chaque fabricant conserve précieusement ses moules, les répertorie et les réutilise. Ils sont l’enveloppe de la mécanique qui donne vie aux sculptures.
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Proches visuellement des graines noires célestes de l'œuvre précédente, les fossiles de pentacrine, animal de la famille des oursins et étoiles de mer, ont une forme d'étoile à cinq branches. Comme certaines pierres, ils étaient souvent des supports de croyances crédités de pouvoirs contre la foudre, le plus redoutable des dangers du ciel.
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